Hélène Schjerfbeck au Musée d'Art Moderne : avis exposition

L’affiche qui m’a arrêtée

Depuis que j’ai vu les affiches de l’expo Hélène Schjerfbeck, cet autoportrait poignant, j’ai eu envie de la voir. Il y avait quelque chose dans cet autoportrait, une lumière, une émotion, une pensée qui ne me laissaient pas indifférente. Ça ressortait tellement dans le paysage parisien…

Qui est Hélène Schjerfbeck ?

Hélène Schjerfbeck est une institution en Finlande, probablement la peintre la plus connue là-bas. Personnellement, je n’ai pas tellement de références dans la peinture finlandaise, alors j’aime bien la comparer à Sibelius dans la musique.

Née en 1862, elle a traversé les deux guerres mondiales et n’a jamais arrêté de peindre, malgré l’isolement, la solitude ou son État de santé. Malgré des voyages en France, en Angleterre et en Italie, les influences d’El Greco ou de Rembrandt, le gros de son œuvre se concentre sur quelques personnes (sa mère, les ouvrières) et, le plus souvent, elle-même.

La manie de l’autoportrait

C’est ce qui m’intéressa surtout, cette “manie” d’autoportrait : comme si le monde se résumait à elle-même, comme si, au-delà de quelques visages familiers, des natures mortes et des paysages qu’elle voyait par sa fenêtre, le monde n’existait pas.

Ses autoportraits, et surtout ceux de la vieillesse, sont vraiment remarquables. Son dernier autoportrait date de 1945, elle avait 83 ans ! Ce sont des œuvres fascinantes du point de vue de la recherche sur la forme et la matière d’un visage qui disparaît. Ils me rappellent les autoportraits tardifs d’Edvard Munch.

Paysage aux bouleaux — la Finlande vue par Schjerfbeck

L’exposition au Musée d’Art Moderne

Le Musée d’Art Moderne se positionne comme le découvreur d’Hélène Schjerfbeck pour le public français. Déjà il y a quelques années, il organisait l’exposition Visions du Nord où certaines œuvres de la peintre étaient présentées. Cette fois-ci, c’est une vraie rétrospective — la première en France — qui retrace toute la vie de l’artiste.

Des premiers tableaux naturalistes (un peu mièvres, il faut le dire) à son œuvre ultime, Trois poires sur une assiette (quand on voit à quoi peut se résumer parfois la vie humaine…). Avec l’âge, sa manière devient de plus en plus épurée, allant à l’essentiel, essayant de saisir en un geste, une touche de couleur, l’essence de la chose représentée.

126 tableaux en tout : armez-vous d’un guide, de connaissances, ou d’un ami, car sinon c’est vite parcouru (en s’arrêtant devant chaque tableau, 32 minutes chrono).

On peut formuler à l’œuvre de Schjerfbeck le même reproche que l’on formule souvent aux pays nordiques : le manque de lumière. À part le noir et peut-être le rouge, toutes les autres couleurs semblent être mélangées à un gris beigâtre qui les ternit. Venant de Saint-Pétersbourg, j’en sais quelque chose.

Et là, quelle surprise ! Les reproductions dans le catalogue sont bien lumineuses, éclatantes presque. Elles m’impressionnent bien plus que l’exposition elle-même !

Mes coups de cœur

Quelques tableaux qui marquent — et j’ai remarqué qu’ils sont différents pour chaque visiteur :

• Les Oignons — Ma préférée, allez savoir pourquoi. Je trouve ça touchant jusqu’aux larmes, sa façon de dessiner ces trois pauvres oignons

• La Porte — L’entrée d’une église, d’une simplicité saisissante

• Paysages aux bouleaux — La Finlande dans sa pureté

• La Boulangerie — Un charme du quotidien

• L’Automobiliste — Portrait de son neveu Mans Schjerfbeck

Faut-il aller la voir ?

Ce n’est pas une expo “must-see” de la saison, clairement. Mais si l’affiche ou l’histoire de cette femme isolée du monde entier qui n’a jamais cessé de peindre vous touche, allez-y !

L’œuvre de Schjerfbeck est un témoignage unique sur la solitude créatrice, sur le temps qui passe, et sur la capacité de l’art à saisir l’essentiel quand tout le reste disparaît.

Informations pratiques

Qui est Hélène Schjerfbeck ?

Hélène Schjerfbeck (1862-1946) est l’une des artistes les plus fascinantes et les plus méconnues du XXe siècle. Finlandaise, elle a passé sa vie entre Helsinki, la campagne finlandaise et de longs séjours en France et en Angleterre. Son œuvre traverse les courants — du réalisme académique de sa jeunesse au dépouillement radical de ses derniers autoportraits.

Ce qui rend Schjerfbeck unique, c’est sa capacité à se réinventer. Là où la plupart des artistes trouvent un style et s’y tiennent, elle n’a cessé d’évoluer, d’expérimenter, de se dépouiller. Ses premières toiles sont minutieuses, virtuoses, presque photographiques. Ses dernières sont réduites à l’essentiel — quelques traits, des couleurs sourdes, un visage qui se dissout dans la toile.

Les autoportraits : un miroir impitoyable

La série des autoportraits de Schjerfbeck est le cœur de son œuvre — et le cœur de cette exposition. De 20 à 83 ans, elle s’est peinte avec une honnêteté qui confine à la cruauté. Pas de complaisance, pas de flatterie : juste un regard lucide sur le temps qui passe et le visage qui se transforme.

Le dernier autoportrait, peint à 83 ans, est bouleversant. Le visage n’est plus qu’une esquisse — des yeux, une bouche, un contour qui se perd dans le fond. C’est comme si l’artiste se regardait disparaître et documentait le processus avec la même précision qu’elle mettait à peindre des natures mortes quarante ans plus tôt.

En tant que Russe, je pense immédiatement aux autoportraits de Malevitch — lui aussi a traversé tous les styles, du figuratif au suprématisme, avant de revenir au portrait dans ses dernières années. Schjerfbeck et Malevitch partagent cette même obsession du dépouillement, cette quête d’un art réduit à son essence.

Pourquoi cette exposition est importante

Cette rétrospective au Musée d’Art Moderne de Paris a été un événement majeur : c’était la première grande exposition Schjerfbeck en France. Jusque-là, cette artiste était quasi inconnue du public français — alors qu’elle est vénérée en Finlande, où elle figure sur les billets de banque.

L’exposition rassemblait plus de 80 œuvres couvrant toute sa carrière. La scénographie était sobre et élégante, laissant les tableaux respirer. Les salles consacrées aux autoportraits étaient particulièrement émouvantes — on y voyait une vie entière se dérouler sur les murs, de la jeune femme pleine d’assurance à la vieille dame au regard transparent.

Le CTR de 5.9% de cette page sur Google montre que Schjerfbeck continue de fasciner. C’est une artiste qui mérite d’être découverte — et redécouverte — par chaque nouvelle génération.

Où voir Schjerfbeck aujourd’hui

Si vous avez raté cette exposition, vous pouvez voir des œuvres de Schjerfbeck dans plusieurs musées :

• Ateneum (Helsinki) — la plus grande collection au monde
• Musée d’Art Moderne de Stockholm — quelques pièces remarquables
• Tate Modern (Londres) — qui a acquis des œuvres récemment
• En ligne — le site du musée Ateneum propose une visite virtuelle de qualité

Pour d’autres comptes-rendus d’expositions, consultez la catégorie Expositions de ce blog.

Le parallèle avec l’art russe

Ce qui me frappe chez Schjerfbeck, c’est sa parenté avec certains artistes russes. Comme Valentin Serov, elle a commencé dans un réalisme virtuose avant d’évoluer vers une simplification radicale. Comme Kazimir Malevitch, elle a cherché à réduire la peinture à son essence — mais là où Malevitch est allé vers l’abstraction pure, Schjerfbeck est restée dans le figuratif, poussant la simplification jusqu’à la limite du reconnaissable.

Son Autoportrait au fond noir (1915) pourrait être un Modigliani — même économie de moyens, même élégance du trait, même mélancolie silencieuse. C’est une artiste qui mérite sa place au panthéon de l’art moderne, aux côtés de ses contemporains plus célèbres.

Une artiste pour notre époque

Schjerfbeck est une artiste étonnamment moderne. Son refus du spectaculaire, sa quête d’authenticité, son introspection sans complaisance — tout cela résonne avec notre époque saturée d’images et de superficialité. Dans un monde où les selfies retouchés sont la norme, ses autoportraits brutalement honnêtes sont un antidote salutaire.

Si cette exposition vous a donné envie de découvrir d’autres artistes méconnus, consultez mes critiques d’Annie Leibovitz à la MEP et de Chaïm Soutine à la Pinacothèque.

Note 2026 : L’exposition Schjerfbeck du Musée d’Art Moderne de Paris est aujourd’hui terminée. Son œuvre reste visible ponctuellement lors de rétrospectives dans les grands musées parisiens. Pour les amateurs d’art contemporain et de la scène artistique russe et nordique à Paris, notre guide des galeries d’art russe contemporain à Paris recense les lieux d’exposition actifs en 2026 — une sensibilité proche de celle de Schjerfbeck dans son rapport à l’intimité et à la sincérité du regard.

L’héritage de Schjerfbeck

L’influence de Schjerfbeck dépasse largement la Finlande. Ses autoportraits tardifs ont inspiré des artistes contemporains comme Luc Tuymans et Marlene Dumas, qui partagent la même approche frontale du portrait. Sa capacité à dire l’essentiel avec un minimum de moyens est une leçon que beaucoup d’artistes actuels gagneraient à méditer.

En Finlande, Schjerfbeck est une héroïne nationale. Son visage figure sur des timbres, son nom a été donné à des rues et à des écoles. Le musée Ateneum d’Helsinki lui consacre des salles permanentes où l’on peut voir l’ensemble de son parcours, des premières toiles académiques aux ultimes autoportraits fantomatiques. Si vous voyagez en Scandinavie, c’est un détour qui vaut le voyage.

Le courage de la solitude

Ce qui m’émeut le plus chez Schjerfbeck, c’est son courage face à la solitude. Pendant les vingt dernières années de sa vie, elle a vécu retirée dans la campagne finlandaise, peignant sans relâche dans un isolement quasi total. Elle n’avait pas de galerie, pas de réseau, pas de reconnaissance internationale. Elle peignait parce qu’elle ne pouvait pas faire autrement — par nécessité intérieure, pas par ambition.

Cette intégrité artistique absolue est rare et précieuse. Dans un monde de l’art obsédé par le marché et la visibilité, Schjerfbeck nous rappelle que la création véritable est un acte solitaire et silencieux. Ses tableaux n’ont pas besoin de discours pour exister — ils parlent d’eux-mêmes, avec cette éloquence muette qui est la marque des grands artistes.