Les Ballets Russes : une révolution artistique
Décidément, la saison culturelle nous est servie à la sauce Picasso — trois expositions, et voilà qu’on nous le remet avec la danse ! Pour ne rien faire comme tout le monde, j’ai commencé par le ballet.
Ce qu’il y a d’extraordinaire dans les Ballets Russes, c’est qu’ils ont, au fond, donne naissance à toute la danse contemporaine. Le venereux Balanchine, que les Américains mettent tout le temps sur le piédestal comme le père de la chorégraphie américaine, est tout de même issu des Ballets Russes.
Imaginez : jusqu’au tout début du XXe siècle, la danse n’était que tutus, pointes et en-dehors. Ce n’est qu’avec les Ballets Russes que l’on commença, avec grand scandale, à “déconstruire” la danse classique, à inventer une nouvelle plastique et de nouveaux langages.
Mais le phénomène des Ballets Russes est fascinant aussi à un autre titre : c’est la parfaite illustration de l’effervescence artistique de l’époque, où les meilleurs créateurs de tous les domaines travaillaient sur des projets communs. Le ballet Parade, par exemple, réunit la musique d’Erik Satie, un argument de Jean Cocteau, les décors et costumes de Picasso, et la chorégraphie de Massine.
Les quatre ballets du programme
| Ballet | Année | Musique | Chorégraphie |
|---|---|---|---|
| **Parade** | 1917 | Erik Satie | Leonide Massine (originale) |
| **Pulcinella** | 1920 | Igor Stravinsky | Ana Maria Stekelman (nouvelle) |
| **Mercure** | 1924 | Erik Satie | Thierry Malandain (nouvelle) |
| **Cuadro Flamenco** | 1921 | Musique espagnole | Danseurs de flamenco |
Le ballet Parade : décors et costumes somptueux de Picasso
Parade (1917)
Le plus célèbre des quatre. Les décors et costumes somptueux et drôlissimes de Picasso pour Parade sont une merveille. Ce ballet, qui a fait scandale à sa création, reste un jalon majeur de l’histoire de la danse.
Pulcinella (1920)
Pulcinella : nouvelle chorégraphie d’Ana Maria Stekelman
Sur la musique de Stravinsky, avec une nouvelle chorégraphie d’Ana Maria Stekelman qui reste dans le néo-classique très doux mais très vivant.
Mercure (1924)
Le raffinement des décors de Picasso pour Mercure est remarquable. Petit détail historique : ce ballet a en fait été créé pour une compagnie concurrente des Ballets Russes, Les soirées de Paris du Comte de Beaumont, qui n’a pas fait long feu. La nouvelle chorégraphie de Thierry Malandain satisfait pleinement, avec de jolis clins d’œil à Jerome Robbins.
Cuadro Flamenco (1921)
L’explosion du tempérament espagnol dans ce dernier ballet emploie des danseurs de flamenco professionnels — un spectacle électrisant.
La compagnie Europa Danse
Europa Danse regroupe des danseurs de six pays différents et a été fondée par Jean-Albert Cartier, ancien directeur de l’opéra de Paris.
Soyons honnêtes : cette troupe manque cruellement de formation en danse classique, surtout dans Parade. Les ensembles présentent souvent des décalages, ce qui gâche parfois l’effet escompté. Cependant, ils compensent leurs défauts techniques par leur fougue et leur joie de danser — certains ont l’air d’avoir seize ans !
Les deux ballets avec de nouvelles chorégraphies (Pulcinella et Mercure) sont ceux qui satisfont le plus du point de vue de la danse.
Anecdotes savoureuses
Pour Cuadro Flamenco, Picasso évinca Juan Gris qui devait initialement réaliser le décor. Le temps que Juan Gris arrive à Monte-Carlo où siégeaient les Ballets Russes, Picasso avait déjà eu le temps de répandre la rumeur sur une grave maladie ayant frappé Juan Gris, et avait donc pris sa place avec beaucoup de naturel. Sacre caractère !
La notation chorégraphique de l’époque était loin d’être parfaite ; aussi les créations des Ballets Russes sont extrêmement difficiles à reconstruire. Certaines, comme L’Après-midi d’un faune, ne le sont souvent que d’après des photos et des descriptions orales. Tout ce qui peut nous rapprocher de cette époque magique est précieux.
Notre avis
Malgré quelques couacs dans l’interprétation, quelle joie de découvrir enfin ces ballets ! Les décors et costumes de Picasso sont extraordinaires, et le programme offre un panorama fascinant de la collaboration entre Picasso et les Ballets Russes de Diaghilev.
| Critère | Note | Commentaire |
|---|---|---|
| **décors/costumes** | 5/5 | Les créations de Picasso sont somptueuses |
| **Chorégraphies** | 3.5/5 | Malandain et Stekelman convaincants, exécution inégale |
| **Intérêt historique** | 5/5 | Pièce rare du patrimoine des Ballets Russes |
| **Note globale** | **4/5** | A voir pour la beauté des décors et l'histoire |
Picasso et les Ballets Russes : une rencontre historique
La collaboration entre Picasso et les Ballets Russes de Diaghilev est l’une des plus fécondes de l’histoire de l’art. En 1917, Picasso accepte de créer les décors et costumes de Parade, un ballet révolutionnaire sur une musique d’Erik Satie et un livret de Jean Cocteau. Le scandale est immédiat et l’art moderne vient de faire irruption sur la scène du théâtre.
Ce qui est fascinant, c’est que Picasso ait trouvé dans la danse un médium d’expression naturel. Ses costumes pour Parade sont des sculptures ambulantes, des volumes cubistes qui se déplacent dans l’espace. Ses rideaux de scène sont des toiles monumentales qui transforment le théâtre en galerie.
Les quatre ballets de l’exposition
L’exposition Europa Danse présentait quatre ballets emblématiques de la collaboration Picasso-Diaghilev :
- Parade (1917) : le scandale fondateur, avec la musique de Satie et les costumes cubistes
- Le Tricorne (1919) : inspiré du folklore espagnol, avec la musique de Manuel de Falla
- Pulcinella (1920) : sur la musique de Stravinsky d’après Pergolese, un retour au classicisme
- Mercure (1924) : le plus abstrait des quatre, avec la musique de Satie encore
Chaque ballet représente une facette différente de Picasso : le provocateur, l’Espagnol nostalgique, le néoclassique, l’abstracteur.
L’héritage russe de cette histoire
Il est ironique qu’une des plus grandes révolutions artistiques du XXe siècle soit née de la rencontre entre un Espagnol et un Russe. Serge de Diaghilev, impresario visionnaire, homme de goût infaillible, a compris avant tout le monde que l’art moderne devait investir la scène. Sans lui, pas de Parade, pas de Sacre du printemps, pas de ballet moderne.
En tant que Russe, je suis fière de cette contribution à l’histoire de l’art. Diaghilev, comme Stravinsky, comme Nijinsky, fait partie de ces Russes qui ont changé le monde depuis Paris.
Pour en savoir plus sur la danse et Diaghilev, consultez mon article sur les mémoires de Serge de Diaghilev.
La révolution du Sacre du printemps
Si l’exposition se concentrait sur les collaborations Picasso-Diaghilev, impossible de ne pas évoquer le Sacre du printemps (1913) — le ballet qui a changé l’histoire de la musique et de la danse. Stravinsky à la composition, Nijinsky à la chorégraphie, Roerich aux décors : le trio a créé un séisme artistique dont les ondes se propagent encore aujourd’hui.
La première au Théâtre des Champs-Élysées a provoqué une émeute dans la salle. Le public hurlait, se battait, les uns en extase, les autres scandalisés. Diaghilev, dans les coulisses, jubilait : la provocation était exactement ce qu’il recherchait. L’art vit de ses scandales.
Diaghilev : le plus grand impresario de l’histoire
Serge de Diaghilev (1872-1929) mériterait un article à lui seul. Cet homme a réuni sous sa direction les plus grands artistes du XXe siècle : Stravinsky, Prokofiev, Picasso, Matisse, Coco Chanel, Nijinsky, Balanchine. Il n’était ni musicien, ni peintre, ni danseur — il était l’homme qui réunissait les génies et les poussait au-delà de leurs limites.
Diaghilev est mort à Venise en 1929, ruiné et oublié. Aujourd’hui, son héritage est partout : le ballet moderne, la musique contemporaine, le design de scène — tout porte sa marque. Pour une Russe, c’est une source de fierté immense.
Pour découvrir d’autres aspects de l’art russe, visitez le site Art Russe qui couvre la peinture, la musique et les arts visuels russes.
L’impact sur la danse contemporaine
L’héritage Picasso-Diaghilev se fait sentir dans toute la danse contemporaine. Les collaborations entre plasticiens et chorégraphes — Cunningham avec Rauschenberg, Bausch avec Borzik, Preljocaj avec Richter — sont les heriteres directes de cette révolution initiée à Paris il y a plus d’un siècle.
À Paris, la programmation du Théâtre de la Ville et du Théâtre National de Chaillot perpétue cette tradition de rencontre entre les arts. Chaque saison apporte son lot de collaborations audacieuses entre danseurs, musiciens et artistes visuels — la preuve que l’esprit de Diaghilev est toujours vivant.
Pour voir comment la danse du XXe siècle continue de se transmettre, lisez aussi mon compte rendu de Triade de Benjamin Millepied, hommage à Jérôme Robbins.
Pour une Russe, voir cette tradition russe de l’avant-garde théâtrale se perpretuer à Paris est une source de fierté particulière. C’est la preuve que les idées n’ont pas de frontière — et que l’art est le plus beau pont entre les cultures.