Un ballet-signature du Bolchoi
Carlos Acosta dans Spartacus
Il s’agit d’un ballet-signature du Bolchoi, un péplum crée en 1968 par le chorégraphe attire du Bolchoi, Youri Grigorovitch (il n’a quitte son poste qu’en 1995 !), sur la musique d’Aram Khatchaturian.
Si vous vous souvenez de l’histoire de Spartacus, c’est le récit de la révolte des esclaves en 73 av. J.-C., qui tourne mal (6 000 esclaves crucifiés…). Le sujet est en effet très communiste, mais dans le contexte actuel, ce sont surtout des relents d’Astérix et Obélix mêlés au Gladiator que l’on ressent. La musique de Khatchaturian est efficace mais sans finesse — au bout de 40 minutes, on en a un peu fait le tour.
La danse : entre classique et révolution
En 1968, il s’agissait effectivement d’une révolution pour le Bolchoi. Cependant, de mon point de vue, la base reste assez classique : des esclaves sur pointes et Spartacus qui fait des fouettés, j’ai du mal… même si je reconnais que certains passages sont vraiment très beaux, et notamment ceux de Phrygia (dansée par Lunkina). Pour situer cette tournée dans l’histoire plus large des passages du Bolchoi à Paris, notre dossier complet sur le Bolchoi et le ballet russe à Paris retrace un siècle d’allers-retours entre Moscou et Garnier.
J’aurais bien aimé assister à la représentation avec Carlos Acosta, le danseur cubain presque mythique. En tout cas, le spectacle donne surtout envie de voir un autre chorégraphe aborder cette musique, sans pointes, avec une danse contemporaine énergique — je pense notamment à la troupe d’Alvin Ailey, cette compagnie fondée en 1958 à New York par le chorégraphe afro-américain du même nom, premier danseur noir à avoir créé sa propre compagnie en pleine lutte pour les droits civiques. Le vocabulaire d’Ailey — un syncrétisme génial de danse afro-américaine, de jazz et de technique académique contemporaine — est aux antipodes du classicisme soviétique de Grigorovitch, ce qui rend l’exercice de style d’autant plus tentant : imaginer Spartacus raconté avec l’humanité et le swing d’un Revelations plutôt qu’avec les codes figés du grand ballet narratif russe. Quelque chose qui serait plus proche du Sacre du Printemps que des « faux pirates » du Corsaire. L’art russe a toujours su se réinventer entre tradition et modernité.
Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si je regrettais de ne pas avoir vu Acosta dans le rôle-titre : cette production parisienne de janvier 2008 a été spécifiquement rejouée et filmée pour lui, après l’accueil critique enthousiaste qu’il avait reçu à Moscou et à Londres l’année précédente, en 2007, dans ce même rôle. Danseur cubain formé à l’École Nationale de Ballet de Cuba, médaille d’or au Prix de Lausanne en 1990, Acosta a été artiste invité principal du Royal Ballet de Londres de 1998 à 2015 avant de devenir, après sa retraite de la danse classique en 2016, directeur du Birmingham Royal Ballet. Son incarnation de Spartacus, alliant puissance physique et une gestuelle presque féline héritée de sa formation cubaine, est restée l’une des références du rôle dans les décennies suivantes.
À retenir. Si la base chorégraphique de Spartacus reste classique, certains passages — notamment ceux de Phrygia dansés par Lunkina — atteignent une vraie beauté qui rachète les longueurs de la musique de Khatchaturian.
Astuces pour les tournées du Bolchoï
Lors du prochain passage du Bolchoï à Paris, mettez en œuvre la tactique suivante :
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Prenez-vous y très à l’avance (un mois avant peut être trop tard).
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Consultez la distribution avant d’acheter : lors des tournées, elle n’est jamais officielle, mais vous la trouverez sur des forums comme Dansomanie ou Critical Dance.
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Certains achètent des billets pour toutes les représentations, puis ne gardent que les bons (très facile à revendre sur les forums ou eBay).
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Achetez de bonnes places (à partir de 30 euros à Garnier). Pour un opéra, la « visibilité réduite » ne gêne pas trop, mais le ballet en souffre énormément.
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Personnellement, je préfère être près de la scène, même de côté (l’impact de l’effort physique des danseurs s’y ressent vraiment). D’autres préfèrent le centre pour apprécier la géométrie des ensembles.
Les tournées du Bolchoï à Paris restent des événements rares et prisés, à ne pas manquer pour les amateurs de culture russe à Paris. À l’opposé de cette exigence artistique, le cinéma commercial hollywoodien déçoit parfois lourdement — c’est le cas du film Sex and the City, une adaptation ratée de la série culte.
Le Ballet Bolchoï à Paris : un événement
La venue du Ballet Bolchoï à Paris est toujours un événement culturel majeur. Le Bolchoï est la compagnie de ballet la plus célèbre au monde — 240 ans d’histoire, un théâtre mythique à Moscou, et une tradition d’excellence qui a produit les plus grands danseurs de l’histoire : Galina Oulanova, Maya Plisetskaya, Rudolf Noureev.
Spartacus est l’un des ballets emblématiques du répertoire du Bolchoï. Chorégraphie par Youri Grigorovitch en 1968, c’est un spectacle monumental : 200 danseurs, des décors grandioses, une musique d’Aram Khatchatourian qui fait vibrer les murs. C’est le ballet soviétique dans toute sa splendeur — épique, héroïque, spectaculaire.
Grigorovitch : le maître du ballet soviétique
Youri Grigorovitch (né en 1927) est le chorégraphe qui a défini le style du Bolchoï pendant quarante ans. Son ballet est athlétique, dramatique et théâtral — l’exact opposé du ballet académique de Saint-Pétersbourg (Mariinski), plus raffiné et plus abstrait.
Spartacus est son chef-d’œuvre. L’histoire du gladiateur romain qui se révolte contre l’Empire était évidemment une métaphore politique en URSS — la lutte des opprimés contre les oppresseurs, le courage individuel contre la machine du pouvoir. Mais Grigorovitch transcende la propagande : son Spartacus est un drame humain universel — à l’opposé des curiosités volontairement ratées que l’on célèbre ailleurs, comme le Turnip Prize, ce prix britannique de l’art le plus mauvais possible, dont l’humour anglais assume la médiocrité quand Grigorovitch, lui, vise l’excellence absolue.
Khatchaturian, Moiseïev, Grigorovitch : une histoire en trois temps
Ce que peu de spectateurs savent, c’est que le Spartacus que l’on voit aujourd’hui n’est pas la première version du ballet. Aram Khatchaturian a composé sa partition dès 1954 — elle lui vaut d’ailleurs le prestigieux Prix Lénine la même année — mais la toute première mise en scène, signée Igor Moiseïev, ne sera créée qu’en 1958 au Bolchoï, et connaîtra un succès mitigé.
C’est seulement dix ans plus tard, en 1968, que Youri Grigorovitch livre la version qui va s’imposer durablement au répertoire : celle que j’ai vue à Garnier. Le contraste entre l’énergie martiale des scènes de bataille et le lyrisme des passages intimes (Phrygia, encore elle) fait immédiatement sensation à Moscou — au point que le Bolchoï l’exporte dès l’année suivante, en 1969, au Royal opéra House de Covent Garden à Londres, marquant le début de la reconnaissance internationale de cette chorégraphie.
Le ballet russe vu de Paris
Pour une Russe vivant à Paris, voir le Bolchoï à l’opéra Garnier est une expérience émotionnellement chargée. C’est la rencontre de deux temples de la danse — l’Académie russe et l’Académie française —, deux traditions qui se respectent et se rivalisent depuis des siècles.
La tradition du ballet russe a été fondée à Saint-Pétersbourg au XVIIIe siècle — par un français, Jean-Baptiste Lande. Les français ont apporté la technique, les Russes ont apporté l’âme. Et c’est cette âme que l’on retrouve dans chaque spectacle du Bolchoï — cette intensité émotionnelle, cette générosité physique, cette façon de danser comme si sa vie en dépendait. Ce dialogue entre les villes et les cultures, on le retrouve aussi au cinéma, par exemple dans New York, je t’aime, le film choral qui répond à Paris, je t’aime.
La révolte des esclaves comme métaphore politique
Il faut resituer Spartacus dans son contexte de création pour comprendre sa charge symbolique. Nous sommes en pleine guerre froide : l’œuvre de Khatchaturian, composée dès 1954, puis chorégraphiée par Grigorovitch en 1968, raconte la révolte des esclaves de Rome antique menée par le gladiateur thrace Spartacus — un thème de lutte des opprimés contre l’oppresseur impérial qui trouvait une résonance évidente dans l’idéologie soviétique officielle. Le ballet devait, dans son intention première, servir la propagande du régime en place tout en s’adressant à un très large public, loin de l’élitisme supposé du ballet classique occidental.
Mais Grigorovitch a toujours revendiqué avoir transcende cette commande politique pour en faire un drame humain universel. C’est précisément ce qui explique la longévité de l’œuvre : un demi-siècle après sa création, Spartacus continue d’être dansé dans le monde entier — y compris par des compagnies occidentales qui n’ont jamais partagé l’idéologie qui l’a vu naître — parce que le thème de la dignité humaine face à l’oppression dépasse largement son contexte d’origine.
Le succès qui a exporté Grigorovitch à l’international
Cette version de 1968 a connu un succès si retentissant à Moscou que le Bolchoï l’a exportée dès l’année suivante : en 1969, la compagnie présente Spartacus au Royal opéra House de Covent Garden, à Londres — une première sortie occidentale qui marque le début de la reconnaissance internationale de cette chorégraphie signature. Depuis, Spartacus version Grigorovitch est resté l’un des ballets les plus fréquemment associés à l’identité même du Bolchoï, au même titre que Le Lac des cygnes ou Don Quichotte.
Le rôle-titre a été incarné par des générations de danseurs étoiles du Bolchoï, chacun apportant sa propre lecture du personnage : entre la puissance athlétique pure et la dimension plus introspective du gladiateur révolté. C’est aussi ce qui rend chaque nouvelle distribution intéressante à suivre, même pour un spectateur qui, comme moi, a déjà vu la pièce plusieurs fois — la chorégraphie de Grigorovitch, exigeante physiquement, révèle des nuances différentes selon le physique et la sensibilité dramatique de chaque interprète.
Grigorovitch aujourd’hui : un héritage contesté mais indéboulonnable
Youri Grigorovitch (né en 1927) a quitté la direction artistique du Bolchoï en 1995, après près de quarante ans à la tête de la compagnie — une longévité exceptionnelle qui a fini par susciter des critiques sur l’immobilisme du répertoire vers la fin de son mandat. Certains lui reprochent d’avoir figé le Bolchoï dans une esthétique datée, refusant l’ouverture au répertoire contemporain que d’autres compagnies, dont le Mariinsky, ont embrassé plus tôt.
Mais son héritage chorégraphique — Spartacus, Ivan le Terrible, La Légende d’amour — reste indissociable de l’identité du Bolchoi. Même les directions artistiques qui lui ont succédé (dont celle d’Alexeï Ratmanski, qui a lui-même reconstruit Le Corsaire présenté lors de cette même tournée parisienne de janvier 2008) ont conserve ses productions phares au répertoire, preuve que la question n’est pas tant de choisir entre tradition et modernité que de les faire cohabiter.
Pourquoi ce ballet reste incontournable malgré ses “vieilleries”
Je le disais en ouverture de cette critique : Spartacus a des airs d’Astérix par moments, et sa musique manque parfois de finesse sur la durée. Mais avec le recul de plusieurs années, je crois que c’est précisément cette absence de subtilité qui fait sa force théâtrale. Contrairement à un opéra narratif plus psychologique comme Eugène Onéguine, que le Bolchoï a aussi présenté à Garnier, Spartacus ne cherche pas la nuance : il vise le grandiose, l’épique, le choc frontal des corps et des masses. Deux cents danseurs sur scène, des formations militaires qui évoquent davantage le cinéma péplum que le ballet académique, une musique qui frappe plus qu’elle ne susurre — c’est un spectacle qui assume pleinement son ambition démesurée.
Cette démesure explique aussi pourquoi Spartacus continue d’être programmé régulièrement, y compris hors de Russie, alors que d’autres créations soviétiques de la même époque ont largement disparu des scènes occidentales. Le ballet fonctionne comme un grand spectacle populaire au sens le plus noble du terme : accessible sans être simpliste, spectaculaire sans être vide, capable de toucher un public qui ne connaît rien au ballet classique aussi bien qu’un balletomane exigeant. C’est cette double lecture possible — divertissement total d’un côté, réflexion sur le pouvoir et la révolte de l’autre — qui a permis à l’œuvre de survivre à son contexte de création idéologique et de rester, cinquante-huit ans après sa première, l’un des ballets les plus donnés au monde.