Je savais que je n’allais pas aimer le film. Je n’aime pas quand les français font des biopics à l’hollywoodienne - ils en font toujours un poil trop, si c’est possible. Mais j’aime bien Edith Piaf, et j’avais tellement envie de réentendre quelques chansons…
Eh bien, je n’ai pas aimé. Mais comme je m’y attendais, ce n’est pas bien grave! J’ai deux reproches à faire à Olivier Dahan: son goût pour le mélodrame et son choix de chronologie saccadée (par les larmes, entre autres). Et un compliment: Marion Cotillard. Pas la peine d’en écrire des tonnes sur sa performance (d’autres s’en chargent) - elle est parfaite. Mais elle se noie dans ce film déchirant qui finit par vous lasser plus que par vous émouvoir.
On n’en retient que la voix de Piaf, le visage de Cotillard, and, of course, the glue that holds everything together: les larmes.
A qui je recommanderais ce film? Toute recommandation personnelle vaudrait pour accusation de mauvais goût (I know, I’m very judgemental). Donc, simplement: à ceux qui aiment pleurer au cinéma.
Infos et critiques: Allociné, Télérama
Un film boudé par moi, couronné par les autres
Je dois à la vérité une précision : mon avis mitigé n’a pas empêché le film de faire une très belle carrière. La Môme a ouvert la 57e Berlinale, le 8 février 2007, et y figurait aussi en compétition. Puis sont venus les prix, tous pour Marion Cotillard : le Golden Globe de la meilleure actrice dans une comédie ou un film musical (13 janvier 2008), le BAFTA (10 février 2008), le César (22 février 2008) et, deux jours plus tard, l’Oscar de la meilleure actrice (24 février 2008). Le film a aussi remporté l’Oscar du meilleur maquillage, ce qui n’étonnera personne : la transformation physique de l’actrice est pour beaucoup dans l’effet de sidération.
Je maintiens pourtant mon double constat. La performance est exceptionnelle, et le film, lui, se laisse écraser par son propre sujet. Quand une actrice est aussi juste, on voudrait que le scénario lui offre autre chose qu’un défilé de malheurs, de la rue à l’Olympia, de l’enfance misérable à l’agonie. Les récompenses disent la qualité d’un jeu ; elles ne disent rien de la manière dont une histoire est racontée.
À retenir :
- Biopic d’Olivier Dahan sur Édith Piaf : verdict mitigé, entre la voix de Piaf et Marion Cotillard qui séduisent, et le mélodrame comme la chronologie saccadée qui lassent.
- Le film a pourtant ouvert la 57e Berlinale en février 2007 et valu à Marion Cotillard le Golden Globe, le BAFTA, le César puis l’Oscar de la meilleure actrice.
- À conseiller seulement à ceux qui aiment pleurer au cinéma ; l’autrice assume un avis sévère, à contre-courant de la majorité des spectateurs.
Piaf avant le mythe : quelques repères
Ce qui me frappe, c’est combien la vraie vie d’Édith Piaf est déjà un roman, et combien le cinéma a de mal à ne pas le surligner. Née à Paris le 19 décembre 1915, elle chante d’abord dans la rue. En 1935, Louis Leplée la repère et l’engage dans son cabaret, Le Gerny’s, près des Champs-Élysées ; c’est lui qui la rebaptise « la Môme Piaf ». Les grandes chansons viennent ensuite : La Vie en rose, qu’elle écrit en 1945 et qu’elle enregistre dans les années qui suivent, puis Non, je ne regrette rien, chanson de 1960 composée par Charles Dumont sur des paroles de Michel Vaucaire. Piaf meurt le 10 octobre 1963, à Plascassier, près de Grasse.
Voilà pour la chronologie, et c’est bien là mon grief : une vie aussi dense n’a pas besoin d’être découpée en éclats pour paraître romanesque. La chronologie saccadée du film, qui saute d’une époque à l’autre au gré des larmes, donne l’impression que le réalisateur ne fait pas confiance au fil du temps. C’est le contraire d’un film de Rivette, où l’on sent chaque seconde s’écouler. Ici, le temps est haché, essoré, comme si l’émotion devait être administrée par doses.
Le biopic « à l’hollywoodienne », ou la tentation du trop
Pourquoi ce genre me hérisse-t-il autant ? Parce qu’il promet une vérité et livre une légende. Le biopic hollywoodien repose sur un principe simple : chaque épisode de la vie du personnage doit « expliquer » son génie, comme si la douleur de l’enfance produisait mécaniquement la grande artiste. C’est séduisant, et c’est faux. La plupart des artistes que j’admire ont fabriqué leur œuvre à force de travail, de rencontres, de hasards, pas seulement à force de souffrance.
On peut penser à d’autres portraits de femmes à destin romanesque vus au cinéma. Dans Angel de François Ozon, par exemple, le trop est assumé jusqu’au vertige, et c’est une forme d’honnêteté : le film sait qu’il raconte un mythe. La Môme, lui, voudrait être à la fois grand mélodrame et document, et n’est jamais tout à fait l’un ni l’autre. À l’inverse, Les Chansons d’amour de Christophe Honoré montre qu’on peut faire du cinéma avec la chanson sans y noyer le spectateur : la musique y avance avec le récit au lieu de le pétrifier.
Pour un autre artiste de la chanson française, voyez mes notes sur l’exposition consacrée à Gainsbourg et sur la beauté et la laideur chez Gainsbourg : ce qui touche, ce n’est pas l’anecdote tragique, c’est la matière de l’œuvre.
Comment (re)faire connaissance avec Piaf
Alors, que conseiller à quelqu’un qui a vu le film et en sort avec l’envie d’en savoir plus ? De fermer les yeux et d’écouter. Le meilleur de Piaf, c’est sa voix, nue, sans actrice, sans maquillage, sans reconstitution. Quelques jalons pour commencer, tous des classiques que vous connaissez sans doute déjà de nom :
- La Vie en rose, pour la douceur, évidemment ;
- L’Hymne à l’amour, pour la gravité ;
- Milord, pour le côté music-hall ;
- Non, je ne regrette rien, pour la bravade finale.
Écoutez-les à la suite, sans image. Vous retrouverez ce que le film cherchait et n’a trouvé qu’à moitié : une présence. Et si vous avez envie de théâtre plutôt que de cinéma pour célébrer l’art de la scène française, Mon père avait raison de Sacha Guitry offre une tout autre leçon d’élégance : celle de la légèreté.
Ce que cette séance m’a appris sur mes goûts
Enfin, une note personnelle. Dire qu’on n’a pas aimé un film unanimement salué, c’est se condamner à l’accusation de mauvais goût, je l’ai écrit plus haut. Mais je crois qu’il faut le faire, avec modestie et sans agressivité : un blog n’a pas pour mission de répéter ce que tout le monde pense déjà. Et si, en me lisant, vous vous dites « elle exagère, Cotillard était bouleversante », vous avez raison : elle l’était. C’est justement parce qu’elle était si bouleversante que le film ne lui rend pas tout à fait justice. On peut admirer une interprète et regretter l’écrin.
Cotillard, ou le miracle d’une ressemblance
Parlons une dernière fois de l’actrice, puisque c’est le plus grand mérite du film. Marion Cotillard ne se contente pas d’imiter : elle habite la voix, la démarche, la posture voûtée d’une femme qui n’a jamais été grande par la taille et l’a été de toutes les autres façons. On oublie vite qu’on regarde un maquillage et des prothèses ; on regarde quelqu’un qui souffre, qui rit, qui s’enflamme. C’est là une prouesse d’autant plus remarquable qu’elle s’étale sur plusieurs âges de la vie, de la jeune femme des rues à la chanteuse brisée.
Je pense que c’est aussi pour cette raison que le film est resté dans les mémoires : il offre un rôle monumental à une actrice capable de le porter. On peut regretter que le scénario ne lui laisse pas assez de silence, de respiration, de scènes sans pleurs. Mais on peut aussi y voir un hommage : le film ne tient debout que grâce à elle, et il le sait.